Почему цветы стали любимой темой в творчестве художника и педагога Светланы Родионовой.
Светлана – куратор выставки «Да, цветочки!», которая проходит в галерее Дома музыки. Вместе с ней свои работы представили калужские художницы Юлия Мадудина, Виктория Харченко, Елена Соколова, Алина Бушуева, Эля Невинная. Когда на календаре весна, а за окном зима, цвета и света особенно не хватает. На выставке можно увидеть сразу все любимые цветы – от весенних гиацинтов до осенних хризантем.
«Если можешь – не рисуй!»
– Как в непростые 90-е вы выбрали непредсказуемую профессию художника?
– Я всегда говорю ученикам: «Если можешь не рисовать – не рисуй! Если можешь без этого жить, не надо становиться художником». В профессии остаются только те люди, у которых потребность рисовать очень сильна.
В художественную школу я поступила поздно, меня взяли сразу в третий класс. Попала к Георгию Николаевичу Герасимову, педагогу, который воспитал многих калужских художников.
После неудачной попытки поступить в Косыгинский текстильный институт вернулась в школу и работала лаборанткой: ставила для учеников натюрморты и вместе с ними их писала, готовилась к поступлению.
Пошла в училище культуры и искусств и не пожалела. Если человек несколько лет рисует с утра до вечера, это дает ему необходимую базу. Когда с начальной ступени профессиональной подготовки сразу перепрыгивают на высшую, практики не хватает. Стараюсь донести эту мысль до учеников и их родителей.
Позже я окончила художественно-графический факультет МГПУ.
– В художественной школе вы преподаете почти 30 лет. Не мешает педагогическая работа вашему собственному творчеству?
– В школьной жизни много вдохновляющего. Школа стимулирует, помогает не расслабляться. Есть расписание, и я знаю, что только в определенный день буду свободна. Значит, в этот день я обязательно должна написать картину. У нас каждые
10 лет можно брать длительный отпуск за свой счет. Однажды я его взяла, думала, что освободится время для творчества. Но мне стало так тоскливо без детей, без коллег. Без школы я не могу.
Начинать с азов
– Обучение рисованию начинается с простых форм карандашом. Детям не скучно?
– К нам поступают десятилетние, и они относятся к этому совершенно спокойно. Навык элементарного формообразования им будет нужен всегда, что бы они ни писали – портрет, натюрморт. Даже сделать хорошую качественную копию без этой базы невозможно. Так устроен мозг: мы видим лишь то, что знаем. И только если ученику объяснить, что в тени есть рефлекс, он его увидит и покажет.
– Почему у детей до какого-то возраста получаются шедевры даже без обучения?
И почему этот период заканчивается?
– С точки зрения психологии это абсолютно нормально: человек должен бросить рисовать, когда он взрослеет.
В переходном возрасте полностью меняется восприятие, появляется критическое отношение к себе. Если в этот момент ребенку дать знания, которые позволят рисовать окружающий мир таким, каким он его видит, он рисовать не бросит. Если, конечно, у него останется эта потребность.
Художник-блогер
– С 2015 года вы ведете канал на YouTube, в своих видеороликах делитесь секретами мастерства. Много ли у вас подписчиков?
– Больше 60 тысяч, а количество просмотров достигает трех миллионов. Год назад я завела канал еще и на «Яндекс Дзен», там число подписчиков приближается к семи тысячам.
Кроме того, я уже много лет развиваю интернет-площадку «Аукцион искусства», которая помогает встретиться художникам и поклонникам их таланта. Главная цель – общение. Иногда оно выходит за рамки виртуального, начинаются личные контакты с коллегами, с коллекционерами. Так я познакомилась, например, с художником Дмитрием Козловым. Он приезжал в Калугу, несколько лет назад в Доме музыки прошла его выставка.
– Как пришла идея вести видеоблог?
– Никакой определенной цели у меня не было. Сын, наблюдая за моей работой, предложил: «Давай попробуем!» Сначала мы записали просто видео под музыку. Потом я что-то прокомментировала, аудиторию это заинтересовало, и пришлось «включать педагога». Стараюсь рассказать о том, что помогает сделать работу реалистичной и интересной, ответить на вопросы подписчиков. На выставке в Доме музыки я провела профи практикум о цвете – о чем же еще рассказывать живописцу? Вроде бы каждый школьник знает, что цвета бывают теплые и холодные, но тут не все очевидно.
Открытие импрессионистов
– В чем главный секрет мастерства живописца?
– Важно научиться видеть цвет света. Это начали делать импрессионисты. Картины старых мастеров реалистичны, иногда даже фотографичны, но, по сути, это рисунки, а не живописные произведения. Цвет в них играет вспомогательную роль. Сотни лет художники работали по канонам. Были определенные правила, как писать пейзаж, портрет, натюрморт. И вот появились импрессионисты, которые вышли из мастерской на открытый воздух и увидели, что солнце придает всему совершенно другой цвет. Они старались убрать тональную разницу и работать только цветом. Они отошли от лессировок и начали писать пастозно, крупными объемными мазками. Поначалу этих художников жестко критиковали за такое «хулиганство», но именно с них началась настоящая живопись. Я много копировала импрессионистов, внимательно изучала их художественные приемы.
– Кто из них вам особенно близок?
– Пожалуй, Огюст Ренуар. Он великолепный портретист, который лепил лицо не за счет тональной разницы пятен, а за счет цветовой – это действительно сложно. Я тоже начинала как портретист, мои портреты участвовали во всероссийских выставках, с ними я вступала в Союз художников. Чаще всего писала сына. Были и другие интересные модели. Кто-то колоритно выглядит в моменте, а кто-то наполнен такой внутренней энергией, что хочется контакта с ней, энергообмена.
– К чему вы стремитесь, работая над портретом?
– К похожести не только внешней, но и внутренней. Внешняя достигается точностью рисунка. Это под силу даже ученику художественной школы, который умеет внимательно смотреть и «брать на карандаш». Но по-настоящему хороший портретист «вытащит» из человека его суть, а не какие-то случайные черты. Есть такая байка. Заходит в выставочный зал портретируемый, и художники говорят: «Надо же, на портрете он больше похож на себя, чем в жизни!»
С любовью к цветам
– Как вы стали рисовать цветы?
– В какой-то момент я увлеклась живописью, начала исследовать возможности цвета. Писала множество этюдов. Оказалось, что на эту незатейливую живопись есть спрос. Кто бы что ни говорил, но, если твои картины покупают, это отлично, это хороший дополнительный стимул. Мне писали в комментариях, что я зарываю свой талант портретиста, что нашла более легкую дорогу. На самом деле это сложный путь, потому что я занялась тем, чего от природы мне не дано. Тонально вижу хорошо, а задатков колориста у меня нет, поэтому работать с цветом мне всегда было трудно. Иногда я вычисляю цвет математически. О своих поисках и находках рассказываю подписчикам.
– Какие цветы любимые?
– Абсолютно все! Я живу в загородном поселке и сама их выращиваю: нарциссы, пионы, ирисы. Собираю в окрестностях охапки полевых цветов, пересадила из леса поближе к себе черемуху и рябину. Цветение сирени и жасмина обычно совпадает с выпускными экзаменами в художественной школе, но у меня есть ранние и поздние сорта – хоть какие-то обязательно напишу. Холсты разного размера уже подготовила.
– Для вас важно писать именно живые цветы?
– Конечно! Цветы должны пахнуть. Только зимой, когда живых нет, приходится брать искусственные. Люблю писать цветы на окне, это работа на грани пейзажа и натюрморта. Пейзаж играет роль фона, и еще это свет, который проникает в окно. За зиму все соскучились по солнцу, и меня особенно вдохновляют его первые весенние лучи. Сейчас свет уже совсем другой – вы заметили?
– Как вы понимаете, что работа закончена?
– Как только проступает реалистическая картинка и можно определить, что нарисовано. Художник сначала пишет, играет цветом, а потом добавляет рисунок. И если рисунка добавить слишком много, можно убить цвет.
Дома я свои работы не держу, и дело не только в том, что в интерьере я предпочитаю графику. Все время возникает желание что-то переделать, переписать. Не зря многие художники, закончив картину, поворачивают ее к стене, как будто прячут от себя. Самое сложное в нашей профессии – никто не знает, как надо. Теория не спасает: можно рисовать «правильно», но это будет не искусство. Поэтому все время находишься в состоянии неудовлетворенного поиска и зачастую не знаешь, в нужную сторону идешь или, напротив, тебя уносит от чего-то хорошего. Наверное, это касается любой творческой профессии.
Екатерина ШЕВЕЛЕВА фото автора и Светланы Родионовой
